Descubriendo a: ‘julianderrosa’
Encontrase como artista a través de lo ‘ya hecho’ y ‘lo que está por hacer’
Julianderrosa entiende la música como un proceso, no como un lugar al que llegar. Desde la nueva escena urbana de Madrid, su propuesta se mueve lejos de las etiquetas y más cerca de lo emocional: melodías que respiran intimidad, una estética digital muy cuidada y una escritura que nace de lo vivido —y también de lo que aún no sabe cómo decir. Su sonido no busca encajar en un género concreto, sino construir un estado.
En esta entrevista hablamos sobre la creación sin etiquetas, del valor del proceso, de la colaboración y cómo cada canción es un fragmento del aprendizaje constante que define su manera de entender el arte.
“(...) la música es arte y una forma de expresión personal. Etiquetarla solo sirve para limitarla y hacer que pierda su esencia (...)”
ENTREVISTAMOS A ‘JULIANDERROSA’:
Muchos te sitúan dentro del trap, pero tú rechazas las etiquetas. ¿Qué crees que perdemos cuando intentamos encasillar la música en géneros?
Para mí, cuando etiquetas algo que has creado tú mismo, se pierde parte de su valor. La música no debería tener etiquetas porque eso acaba afectando a la creatividad: empiezas a pensar más en encajar dentro de algo que en hacer lo que realmente te representa. Al final, la música es arte y una forma de expresión personal. Etiquetarla solo sirve para limitarla y hacer que pierda su esencia y su libertad creativa.
Has dicho que el próximo EP será tu trabajo más completo y conceptual hasta la fecha. ¿Qué lo hace diferente a todo lo anterior?
En este proyecto estoy buscando un sonido mucho más personal y, sobre todo, encontrarme a mí mismo como artista. Nunca había hecho algo que me representara tanto, no solo a nivel musical, sino también visual, que es una parte muy importante del trabajo. Hasta ahora he sacado música que representaba momentos concretos de mi vida, sin un objetivo claro más allá de lo que sentía en ese momento. Este EP, en cambio, tiene una intención más definida y por eso lo considero un proyecto ambicioso a nivel creativo.
“Para mí, la identidad artística está en ese movimiento constante, no en repetirse ni en acomodarse.”
También comentas que prefieres evolucionar antes que repetirte. ¿Te reconoces más en lo que ya hiciste o en lo que todavía no sabes hacer?
Me reconozco más en el proceso que en un punto concreto. No me interesa quedarme en lo que ya hice, pero tampoco romper con ello. Todo forma parte de quién soy. Lo que ya existe me sirve como base y lo que todavía no sé hacer es lo que me empuja a seguir creando. Para mí, la identidad artística está en ese movimiento constante, no en repetirse ni en acomodarse.
Dices que cada proyecto es un pedazo de lo que aprendes de ti, y que esta colaboración con Kame abre una nueva etapa. ¿Qué fue lo más importante que aprendiste haciendo “Tu mirándome”?
“Tu mirándome” es una canción que produje hace un par de años y que durante mucho tiempo no supe cómo desarrollar. Retomarla ahora refleja muy bien la evolución que he tenido como artista. También ha sido clave trabajar con Kame. Confiar en talento joven y rodearme de personas que aportan otras perspectivas, como la suya desde el rap, me enriquece mucho creativamente. Me gusta experimentar, fluir y crear sin encasillarme, y este proyecto representa muy bien esa forma de trabajar.
Si alguien quisiera conocerte solo a través de tu música, ¿qué canción le pondrías primero y por qué?
Sin duda, “+ de la mitad”. Es una canción que define muy bien quién soy como artista: es versátil, tiene un sonido propio y una producción que encaja completamente con mi identidad. Además, refleja una visión creativa muy personal y marca un punto importante en la construcción de mi sonido.
